In una carriera che dura da oltre 60 anni, Dino De Laurentiis si è dimostrato un titano dell’industria cinematografica – un personaggio più grande della vita che è riuscito a riprendersi da ogni costosa bomba al botteghino che ha prodotto. Il suo amore per il puro spettacolo cinematografico e il suo desiderio di rendere l’industria cinematografica italiana potente come Hollywood, hanno contribuito a ottenere il suo nome sulla scena internazionale negli anni ’50, ma un eventuale trasferimento attraverso l’Atlantico lo ha visto guadagnare il soprannome di “Dino De Horrendous” dopo le risposte meno che brillanti a molti dei suoi grandi sforzi di bilancio.
La carriera di De Laurentiis doveva originariamente fiorire dall’altra parte della macchina da presa, studiando come attore presso la Scuola Nazionale di Cinema italiana prima dello scoppio della Seconda Guerra Mondiale. Molti anni dopo, ispirato alle opere di Rossellini, ha prodotto numerosi film neorealistici – in particolare Bitter Rice (1949), che ha portato il suo nome all’attenzione internazionale. Da lì, le sue produzioni sono diventate gradualmente più epiche e il suo nome è sinonimo di successi che erano l’antitesi di questi primi film.
La strada (1954)
De Laurentiis ebbe una relazione complicata con Fellini. Il produttore si faceva spesso la lirica sul taglio di 10 minuti di Nights of Cabiria contro i desideri del regista, e in una Mostra del cinema di Venezia Fellini ha offeso il tributo di Jean-Luc Godard al produttore insistendo sul fatto che La strada fosse fatta nonostante lui, non a causa di lui. Come molte produzioni successive di De Laurentiis, La strada ha fortemente diviso i critici nella sua prima originale. Qualche anno dopo, è stato rivalutato come un capolavoro e premiato con il premio Oscar per il miglior film in lingua straniera dopo essere stato finalmente rilasciato in America.
Danger: Diabolik (1968)
La produzione sull’adattamento del fumetto di Mario Bava, regolarmente citata come una delle preferite da artisti del calibro di Quentin Tarantino e Edgar Wright, è stata torturata per non dire altro. Quando il suo regista originale Seth Holt fu licenziato, De Laurentiis ridusse drasticamente il budget, stanziando quei fondi per l’altro suo adattamento a fumetti di quell’anno, Barbarella (1968). Di conseguenza, Bava ha dovuto dare priorità allo stile rispetto alla sostanza, usando un design di produzione kitsch per nascondere i set limitati e creato uno dei film a fumetti più insoliti nella storia del cinema. Se i film sui supereroi post-11/11 sono definiti dalla trilogia di Dark Knight di Christopher Nolan, allora gli anni ’60 oscillanti hanno avuto il loro perfetto abbinamento di supereroi con Diabolik.
Serpico (1973)
Potrebbe essere stato rilasciato un anno dopo che Il Padrino (1972) lo aveva reso famoso, ma ciò non ha impedito a De Laurentiis di affermare di aver scoperto Al Pacino, di vederlo in una commedia fuori strada e di assumerlo per il film biografico sul crimine prodotto da Produzion De Laurentiis International. Il thriller di Sidney Lumet, che documenta il decennio di Frank Serpico e la battaglia per consegnare alla giustizia i poliziotti storti del dipartimento di polizia di New York, rimane uno dei migliori film polizieschi degli anni ’70 – e una delle performance essenziali di Pacino. Dopo questo successo, l’attore e il regista hanno lavorato di nuovo solo due anni dopo, nello stesso giorno annunciato Dog Day Afternoon (1975).
Face to Face (1976)
Uno degli ultimi film europei di De Laurentiis, dopo uno scandalo finanziario che circonda il suo travagliato studio, “Dinocittà” lo ha portato a lasciare l’Italia, Face to Face sembra una parodia di uno sforzo di Ingmar Bergman esistenzialmente disperato quando riassunto. Liv Ullmann interpreta la dott.ssa Jenny Isaksson, una psichiatra che, stressata dal suo lavoro, inizia a soccombere alle illusioni che la torturano e la rendono incapace di affrontare i suoi doveri personali e professionali. Uno dei film più famosi del regista al momento del rilascio, che gli è valso una seconda nomination come miglior regista, Face to Face è ora un lavoro di Bergman sfortunatamente trascurato, per lo più ricordato come un bavaglio in Annie Hall (1977).
King Kong (1976)
Un po ‘meno celebrata è la prima grande produzione hollywoodiana di De Laurentiis. Inizialmente in anteprima a risposte critiche miste, anche se lasciando con una vittoria all’Oscar per gli effetti visivi, il remake di John Guillermin del classico film mostro regge abbastanza bene dopo un rifacimento gonfio di Peter Jackson e lo sfarzoso “universo cinematografico” del 2017 Kong: Skull Island. Molti anni prima che Jackson trasformasse Andy Serkis tramite motion capture, il guru del trucco Rick Baker è riuscito a iniettare pathos nel ruolo principale. De Laurentiis ha visto questo progetto di passione come un antidoto alla nuova generazione di film sui mostri, affermando che “Quando Jaws muore, nessuno piange. Quando Kong muore, piangono tutti. ”
Year of the Dragon (1985)
Sia De Laurentiis che il regista americano Michael Cimino erano responsabili di costose bombe critiche e commerciali che minacciavano di far deragliare le loro intere carriere, ma solo una è riuscita a rimettersi in piedi più e più volte. Quindi, è stata solo una questione di tempo prima che Cimino fosse salvato dalla prigione post-Heaven’s Gate (1980) dal produttore, con un racconto noir grintoso che sembra un interrogatorio dei suoi stessi atteggiamenti nei confronti della razza a seguito della controversia di The Deer Hunter (1978). Il film era candidato alla Razzie al momento del rilascio, ma ora si sente in anticipo sui tempi per valutare il rapporto tra razzismo e appropriazione culturale.
Blue Velvet (1986)
L’esistenza di Blue Velvet è interamente dovuta al film precedente di Lynch, Dune (1984), un flop costoso che il produttore ha ritenuto essere un successo a livello di Star Wars (1977). Prima della produzione di quel adattamento di divisione del romanzo di Frank Herbert, De Laurentiis fece firmare a Lynch un contratto di tre film, per un film originale e un sequel di Dune – e il film risultante, la più piccola produzione della lista di De Laurentiis Entertainment Group, divenne uno dei i film che definiscono gli anni ’80. Considerata una stranezza di culto al momento del rilascio, la discesa da incubo di Lynch nel cuore oscuro della periferia è ora probabilmente considerata il più grande film con il nome di De Laurentiis.
Manhunter (1986)
Dopo aver incontrato l’autore Thomas Harris, De Laurentiis ha fatto tutto il possibile per ottenere i diritti sul suo libro Red Dragon. Ma l’adattamento ghiacciato e distaccato di Michael Mann ha ricevuto la fredda spalla del pubblico e della critica, solo per essere rivalutato sulla scia dei successivi adattamenti cinematografici dei romanzi di Harris Hannibal Lecter. La performance di Brian Cox è agghiacciante a causa della sua ordinaria apparizione del personaggio – un diverso tipo di incubo per i teatri che Anthony Hopkins avrebbe in seguito recitato nel ruolo. Notoriamente, De Laurentiis ha continuato ad adattare il Silence of the Lambs dopo il fallimento di Manhunter, ma una lunga battaglia in studio ha assicurato il suo coinvolgimento in tutte le future produzioni di Lecter.
Army of Darkness (1992)
Dopo il successo commerciale a sorpresa di Evil Dead II (1987), De Laurentiis accettò di finanziare una terza uscita per Ash di Bruce Campbell, mentre Sam Raimi lo rimandò nel Medioevo per il periodo horror che il regista e la star avevano sempre sognato di realizzare . De Laurentiis, che in passato aveva strappato i progetti alle mani del regista, ha dato a Raimi la piena libertà creativa, ma l’eventuale distributore del film, Universal, ha preso il controllo e ha richiesto nuove riprese, diluendo il finale originale e parte della violenza più sanguinosa. Fortunatamente, la produzione torturata è tutt’altro che evidente nel film finale, il più puramente divertente di Raimi.
Breakdown (1997)
L’ultimo film davvero eccezionale che porta il nome del produttore, Breakdown di Jonathan Mostow è un thriller teso che sposa la rabbia della strada del duello di Spielberg (1971) con la stessa sete di vendetta dei film di Charles Bronson De Laurentiis aveva prodotto decenni prima. Guardato oggi, i semplici piaceri del film sono tanto più notevoli a causa della loro differenza rispetto alla tariffa d’azione contemporanea. Non ci sono modifiche veloci o camme tremanti da nessuna parte in vista, e la tensione del film deriva tanto dal guardare la discesa forzata di un uomo ben educato nella vendetta quanto fa la vendetta sanguinosa che alla fine si imbarca.
